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With Shoko Matsuyama’s exhibition WHEN YOU WAKE UP, kjubh presents the first solo exhibition in Germany of the Japanese artist, who has been resident in Europe for several years. Following a degree in graphic design and fine arts in Tokyo and a two-year residency in Paris, she most recently spent two years as a guest student of Rosemarie Trockel at the Kunstakademie in Düsseldorf.

Matsuyama works in diverse media. She draws, makes collages, photographs, produces animations as well as videos and, last but not least, she works sculpturally.
Since 2008, she has produced casts of body parts out of plastic and more recently out of porcelain, which she re-arranges in nature-like compositions. Over the last two years, she has also realised a number of photographic works of fleeting installations with cast fragments draped in trees. In addition to these photographic works directly in nature, Matsuyama is now developing more complex sculptural works that transfer the fragments of nature into an interior space. For example, thick branches with porcelain casts and recently also combined with cloths are brought into dialogue with each other and the viewer. Two bronzes that combine the cut up plastic mould of one of the artist’s hands with negative moulds – i.e. a play with the mould of the form and the simultaneous appearance of the positive and negative form – raise the question: Do these works deal with the search for an image of themselves, the artist or the observer’s perspective? Or do these works rather fill an in-between space that could facilitate or stimulate communication in the same way we deal with a poem?
I understand an in-between space in this context to be a place of possible connections and associations that translates and dissects past and present periods of time into traces.

The installation untitled, 2010, branch, material, porcelain could help answer these questions. To begin with, Matsuyama applied her sculptural techniques in the same way she would for a collage; she layered. She tied one end of several coloured cloths to a heavy branch and anchored the other end to hooks in the wall raising the whole thing from the floor before draping it with porcelain casts. Only one cast is recognisable as the imprint of a body, namely the area around a human navel. All the other porcelain fragments appear to be abstract, no specific shapes are identifiable and at best an impression of the space between different parts of the body and the undefined space surrounding them can be discerned. But isn’t the navel, discernible in its negative form, also an in-between space or rather the location of a cut-off and past connection?

The curator of the exhibition Nina Kretzschmar writes: “The artist explores our relationship to the human body and subtly questions the conventional status of things. In so doing, she allows herself to be guided by the play with the aesthetic charms of the material.” The artist herself refers to an out-dated practice for treating panic attacks in mentally ill patients as her source of inspiration. This practice saw the patients wrapped in damp sheets and tied to trees. Unable to move and subjected to the processes of their own body, this treatment was based on the hope that by confronting the patients with “not being able to escape” and direct skin contact they would become more aware of themselves.

This forced self-reflection and the accompanying silence recurs in the video work “(Below) Snow Makeup” from 2005. In search of her own cultural roots Shoko Matsuyama examines the Japanese beauty ideal of white skin. The title is a direct reference to a Japanese saying (Yukigeshou), according to which snow is a decorative layer of makeup applied to the landscape. The pure mask of snow, visible at the beginning of the video, is transformed by the natural process of melting in the shaded face of a young woman. The title itself indicates the elusiveness or rather the limitations of the ideals of purity and beautification. For all makeup is eventually removed or melts away, even if the process in the video is delayed for a short while by the slow motion effect.

The exhibition is completed with a single collage dating from 2006 that is made up of magazine images of women’s hair. However, the centre of the drawing remains strangely abstract, painted in dark colours it suddenly seems like the sucker of an unknown whorling or coiling creature. In contrast, Matsuyama’s other recent drawings appear to be free mutations of figurative embellishments between skin, hair and exposed bone. Time and again it is the process character of the work and experiences of intangible periods of time in the past that make us aware of the transitions between inside, outside and the in-between spaces that connect everything. And vice versa.

Mit Shoko Matsuyamas Ausstellung WHEN YOU WAKE UP zeigt der kjubh die erste Einzelausstellung der seit einigen Jahren in Europa lebenden Japanerin in Deutschland. Nach dem Grafikdesign- sowie Kunst-Studium in Tokyo und zweijährigem Arbeitsaufenthalt in Paris, war sie zuletzt noch zwei Jahre Gaststudentin bei Rosemarie Trockel.

Matsuyama arbeitet multimedial. Sie zeichnet, collagiert, fotografiert, erstellt Animationen sowie Videos und arbeitet nicht zuletzt auch plastisch.
Seit 2008 realisiert sie Abdrücke von Körperteilen aus Kunststoff und neuerdings aus Porzellan, die sie in naturartigem Ambiente re-arrangiert. Aus den letzten zwei Jahren stammen in diesem Zusammenhang auch Fotoarbeiten von flüchtigen Installations-Momenten mit Abgussfragmenten auf Bäumen drapiert. Neben diesen Fotoarrangements direkt in der Natur entstehen nun auch komplexere plastische Arbeiten, die Naturfragmente in einen Innenraum verlagern. So werden beispielsweise dicke Äste mit Porzellanabgüssen und zuletzt auch kombiniert mit Tüchern in Dialogform untereinander und mit dem Betrachter gebracht. Zwei Bronzen, die zerschnittene Kunststoff-Abformungen von einer Hand der Künstlerin mit Negativ-Abgussformen vereinen – also ein Spiel mit der Form der Form und dem gleichzeitigen Erscheinen der Positiv- und Negativform –, werfen die Frage auf: Handeln diese Arbeiten von der Suche nach der Möglichkeit eines Abbildes ihrer selbst, der Künstlerin oder der Betrachterperspektive? Oder füllen diese Arbeiten eher einen Zwischenraum, der Kommunikation wie bei der Beschäftigung mit einem Poem ermöglichen oder anregen könnte?

Unter Zwischenraum verstehe ich in diesem Zusammenhang einen Ort der Verbindungs- und Assoziationsmöglichkeiten, der vergangene und gegenwärtige Zeitabschnitte in Spuren übersetzt und zerlegt.

Die raumfüllende Installation o. T., 2010, Ast, Stoff, Porzellan, könnte diese Fragen beantworten helfen. Matsuyama setzt ihre skulpturale Technik zunächst wie bei einer Collage ein, sie schichtet. An einen schweren Ast band sie mehrere farbige Tücher, deren Enden sie an Wandhaken verankerte und erhob sogleich das Ensemble vom Boden, bevor sie es mit Porzellanabgüssen drapierte. Nur ein einziger Abguss lässt einen Körperabdruck erkennen, nämlich die Umgebung eines menschlichen Nabelloches. Alle anderen Porzellanfragmente wirken abstrakt, lassen keine konkreten Abformungen erkennen, bestenfalls einen Abdruck des Zwischenraumes erahnen von unterschiedlichen Körperstellen und deren undefinierten Umräumen. Aber ist nicht auch das in der Negativform erkennbare Nabelloch ein Zwischenraum bzw. der Ort einer abgeschnittenen und vergangenen Verbindung?

Die Kuratorin der Ausstellung Nina Kretzschmar schreibt hierzu: „Die Künstlerin untersucht unser Verhältnis zum menschlichen Körper und versteht es auf subtile Art den konventionellen Status der Dinge zu hinterfragen. Hierbei lässt sie sich vom Spiel mit ästhetischen Reizen des Materials leiten.“ Die Künstlerin selbst verweist auf eine sie inspirierende alte Praxis zur Behandlung von Panikattacken bei seelisch kranken Patienten. Diese wurden demnach in feuchte Tücher gewickelt und an Bäumen festgebunden. Bewegungsunfähig und den Prozessen des eigenen Körpers ausgesetzt, wurde dieses Verfahren mit der Hoffnung verbunden, die Patienten könnten in der Konfrontation mit dem Nicht-Ausweichen-Können und durch den direkten Kontakt auf ihrer Haut sich selbst besser erfahren.

Das auf sich Zurückgeworfen sein und die damit einhergehende Stille zeigt sich auch in der 2005 entstandenen Videoarbeit „(Below) Snow Make-up“. Auf den Spuren ihrer eigenen kulturellen Wurzeln beleuchtet Shoko Matsuyama das japanische Schönheitsideal von weißer Haut. Der Titel spielt auch unmittelbar auf ein japanisches Sprichwort an (Yukigeshou), wonach der Landschaft durch den Schnee ein schmückendes Make-up verpasst wird. Die reine Schneemaske, die uns zu Beginn des Videos entgegen scheint, verwandelt sich durch den natürlichen Prozess des Schneeschmelzens in das verschattete Gesicht einer jungen Frau. Bereits der Titel deutet auf die Unerreichbarkeit bzw. die Begrenztheit des Ideals von Reinheit und Verschönerung. Denn irgendwann muss jedes Make-up wieder abgenommen werden oder schmilzt dahin, auch wenn dieser Prozess im Video durch einen Slow-Motion-Effekt zunächst etwas aufgeschoben wird.

Ergänzt wird die Ausstellung noch durch eine einzelne Collage von 2006, die aus Magazinabbildungen von weiblichen Haaren besteht. Nur das Zentrum des Blattes bleibt merkwürdig abstrakt von dunkler Farbe bemalt und erscheint plötzlich wie die Ansaugbuchse eines wirbelnden oder sich selbst verwirbelnden unbekannten Wesens. Andere aktuelle Zeichnungen Matsuyamas wirken dagegen wie freie Mutationen figuraler Versatzstücke zwischen Haut, Haar und freigelegtem Knochen. Es sind immer wieder die prozesshafte Arbeit und Erfahrungen uneinholbar erlebter Zeitabschnitte, die uns die Übergänge zwischen dem Innen, dem Außen und den alles verbindenden Zwischenräumen ins Bewusstsein rufen. Und umgekehrt.

キューブではヨーロッパに住み、現在ドイツ在住の日本人作家である松山聖子のヨーロッパで最初の個展である「When you wake up」を展示している。
松山はグラフィックデザイン、美術を東京で学んだ後、2年間のパリ滞在を経て、2年間ローズマリートロッケルの下で学んだ。

松山は多様な媒体を使う。ドローイング、コラージュ、写真、アニメーション、ビデオそして立体。2008年より樹脂で、最近では陶器で、体の部分を象った、自然の中に溶け込むような雰囲気の作品を造っている。

ここ2年間では同じ主題による木々に襞飾りをつけた一時的なインスタレーションの写真作品がある。この自然の中の作品を、複雑な立体作品として室内空間に展開された形で展示されている。陶器の鋳型と布を纏った太い幹は対話するように組み合わされ、見る者をその対話へと誘う。このアーティストの手のネガの鋳型をつくる型でできた2つのブロンズ作品は一つに合わさり、それらは形から形への戯れのようであり、ポジとネガが同時に見え隠れするので、アーティスト自身の「像」に対する可能性への探求についての作品なのか、それとも視点についての作品なのか?というような疑問を私達に投げ掛ける。それともこの2つの作品の間は、詩的な取り組みによる活動を誘発、刺激するもので、そのような営みがこの合間を埋めていくのなのだろうか?

個人的には、この作品に見られる隙間は、過去と現在を繋ぐ時の流れや時の断片を連想されうる場所なのだと思っている。

この場を占めるインスターレションo.t.2010 枝、布、陶器はこの問いかけへの答えを手助けになるだろう。松山はこの作品を、コラージュのような手法を使って、層状に設置している。

重い幹を様々な色の布で縛りつけ、その布を壁に括りつけ、幹には陶器を飾り、作品全体は宙に浮いている。ただ一つ人間の臍の辺りの型から、これらの陶器作品が人体の型取りなのだ、と見分けることが出来る。他の陶器作品は抽象的で具体的にどこの場所の型であるのか見分ける事は出来ない。ただ、それらは様々な体の場所や特定出来ないがどこか体周辺の隙間の跡なのだろう、とは想像できる。ここで私達が見分けのつく臍の型取りは、断ち切られたものや過去に繋がっていたもの、を表しているのだろうか?

今回の展覧会のキュレーターであるニナ・クレッチュマーはこう語る。「彼女は体と内面的な関わりを探り、素材自体の持つ美しさを引き出しながら、繊細なやり方で物の在り方を探っているのです。」アーティスト自身は、昔の診療所で精神障害のある患者に発作の際に施された治療にインスピレーションを得た事を言及している。その治療とは、患者は濡れた布で巻かれ木に縛り付けられたというものだ。彼らは身動きの取れない状態で自分の体をさらしだし、希望に包まれながら、逃げられない状況に置かれる事で皮膚の直接的な接触によって自分自身と対峙するのだ。

このような自己との対面やそれに伴う静けさは、2005年のビデオ作品「Snow Make up-雪化粧」にも見てとれる。この作品で彼女は自身の文化的ルートを辿り、白い肌に対する日本の理想美について提示している。このタイトルは、ー雪により景色が真っ白になり化粧したようになるーという意味である「Snow Make up-雪化粧」という慣用句をそのまま用いている。ビデオでは最初に文字通りの意味での雪化粧が映され、雪が溶けるという自然な時の経過によって若い女性の影のある顔に変化して行く。このタイトルが既に示す様にこの作品は私達が到達し得ないもの、または純粋な理想の美と虚飾的な美の限界を示しているのだろう。なぜなら全ての化粧は、—このビデオがスローモーションを使うことで結果が引き伸ばされるとしてもー、いつかは落とされ、又は溶けていくのだから。

最後に、この展覧会には2006年に制作された雑誌から切り抜かれた女性の髪によるコラージュが一つ飾られている。作品の真ん中には風変わりで抽象的な穴が暗い色で描かれており、そこから急に渦を巻きながら吸い込んでいく様な、又はそれ自身が渦を巻いている未確認生命体の様に見える。

最近では皮膚、髪の毛、自由な関節をつけた骨等が組合わさり、自由に突然変異したような形貌のドローイングを手掛けている。絶えない経過を繰り返し、到達できない時間軸を経験させる彼女の作品は、内面と外面の架橋となり、空隙を意識化するきっかけを呼び起こすのだろう。又はその逆だろうか。

自己回復の木

現代を生きる誰もが癒しがたい不安を抱えている。それはある種の説明不可能な喪失感といっていいかもしれない。その不可視の空白を埋めるために、さまざまなインスタレーションやワークショップを通して、精神の救済を追求するアーティストが松山聖子さんだ。女子美術大学でグラフィックデザインを専攻。2004年以後、拠点をヨーロッパに移し、現在はドイツを中心に精力的な活動を続けている。

代表作のひとつ、「無題(希望の木と欠片)」は、パニックに陥った精神疾患の患者を濡れた毛布で包み、木に縛ることで精神の安定を回復させるという、かつてドイツで行われた治療法に想を得たインスタレーション。鎖骨の周りや足の裏、あるいはヘソといった身体上の窪みを、自分自身の中の空洞や自分と他者の間の隙間に喩え、それぞれを陶器に焼成したオブジェを、毛布とともに木に沿え、自己回復の希望を表す霊的な作品として、高い評価を得た。

南嶌 宏

彼女が視覚化しようとする身体の表面は,内面の心と生命のごくかすかな動きをもたえずさざなみのような波動として露呈する。彼女はそのさまざまな局面をヴィデオによる映像やドローイング,オブジェ,インスタレーションなどによって作品化するのだが,その過程では,内面から表面へ,表面から内面への,相互に反射する運動が幾重にも重ねられている。最近の彼女は,しかも,よりいっそう,内面に潜むものと身体の表面に表れるものとの結びつきの探求に集中しているようだ。

小倉正史
美術評論家、フランス語翻訳家